El actor y la palabra

Hoy me he encontrado unos de los vídeos mas bellos sobre la definición de las palabras para un actor, no dejes de verlo es de una belleza inconmensurable.

y hoy, y al mismo tiempo he leído un comentario en un blog sobre los grandes presupuestos y que a pesar del esfuerzo no consiguen hacer brillar los escenarios, pero cuidado, la extravagancia no tiene dueños y cualquiera nosotros estamos expuestos a ello, sólo nos salva, el trabajo, el trabajo, y el trabajo, y así y de esta manera podremos poco a poco concretar y matizar el trabajo que tengamos en nuestras manos, evidentemente hay gente que no se equivoca nunca pero hace de toda su vida una verdadera equivocación, y esto es un peligro al que todos debemos tener cuidado. Trabajar en el arte muchas veces no significa acertar, pero si probar, y probar significa algunas veces acertar y otras no.

Y esto es lo que hace digno a este santo varón de la escena "El brujo" , un trabajador incansable, el interprete se matiza como artista con cada una de las palabras, que no solo resuena en su paladar, sino en un público fiel e insistente.

Federico Fellini, Patrimonio de la Humanidad

la belleza de las imágenes supera cualquier comentario, imágenes que han trascendido mas allá de lo usual y se han convertido en parte de la historia artística de un patrimonio de la humanidad, Federico Fellini, un maestro de la pintura en movimiento, alza sus mejores lienzos para crear la belleza en movimiento. y como fondo la Fontana di Trevi, hace unos años estuve en esta plaza, quería ver y de cerca el marco donde este cineasta quiso pasar a la posteridad a una actriz casi desconocida  Anita Ekberg y Marcello Mastroianni un actor en pleno auge, aquí os dejo un testimonio de lo que para mi es una de las películas mas queridas por este humilde actor.

Y  después de ver estas imágenes sólo se me ocurre decirte que cuando yo vi por vez primera la fontana de Trevi nunca pensé que de un lugar tan escaso se pudieran filmar dichas imágenes, las entradas y salidas a la plaza en ningún momento dan pista de que en aquel lugar se colocaron las cámaras de Fellini, la Fontana acostada a espaldas de un edificio desgastado, disimula los descorches de una ciudad, casi gastada por los pasos de todos aquellos que pasean por sus calles.

Y es por eso que desde estas páginas reclamo para este hombre Federico Fellini la mas alta condecoración, y el honorario mejor pagado para un genio.

Artistas creando valor

Creo que los artistas de este país necesitamos y por necesidad crear otro valores tanto sociales como culturales el actor tiene y debe que ser un individuo pensante, es decir tener un amplio y propio concepto del mundo que le rodea, no es fácil dejar de seguir las corrientes sociales y estatales y crear la propias, no es fácil forjar una identidad individual y llena de coherencia, pero no tenemos otra opción ya que si no es así, entonces, que nueva expectativas le podríamos ofrecer al espectador, que nuevas visiones del mundo podríamos mostrar. Y tengo en cuenta que para lanzarse a algo nuevo nunca podemos realizarlo en detrimento de algo del pasado es decir, no puedo basar mi discurso que para crear un teatro nuevo debemos aniquilar lo que ya existe, el teatro del pasado se irá sólo, si es necesario que desaparezca, desaparecerá por si mismo y si todavía funciona es porque es necesario que esté, las propuestas de los que creemos que se puede hacer algo distinto, sólo se podrán mostrar mostrándolas, es decir 

Todo pasa y todo queda

pero lo nuestro es pasar

pasar haciendo caminos

caminos sobre la mar

Nunca perseguí la gloria,

ni dejar en la memoria

de los hombres mi canción;

yo amo los mundo sutiles;

ingrávidos y gentiles,

como pompas de jabón.

Caminante son tus huellas

el camino y nada más;

caminante, no hay camino,

se hace camino al andar

Al andar se hace camino

y al volver la vista atrás 

se ve la senda que nunca

se ha de volver a pisar

Caminante no hay camino

sino estelas en la mar...

Hace algún tiempo en ese lugar

donde hoy los bosques se visten de espinos 

se oyó la voz de un poeta gritar

"Caminante no hay camino,

se hace camino al andar..."

Golpe a golpe, verso a verso...

Murió el poeta lejos del hogar.

Le cubre el polvo de un país vecino

al alejarse le vieron llorar.

"Caminante no hay camino, 

se hace camino al andar..."

Golpe a golpe, verso a verso...

Cuando el jilguero no puede cantar.

Cuando el poeta es un peregrino,

cuando de nada nos sirve rezar.

"Caminante no hay camino,

se hace camino al andar..."

El artista en definitiva es un ser humano que se empapa de la exquisitez de la cultura, es un erudito y un hacedor de Dioniso un hombre encarnado en palabras y movimiento bellos, el actor y bajo mi punto de vista es la fragilidad por excelencia, encarnar a otro ser humano coloca al interprete en el ojo de todas las miradas y por ello tenemos el compromiso personal de sacrificarnos y despedazarnos para ofrecernos.

la cultura y el arte se empapa

Actor y maestro, Constantin Stanislavki.

A lo largo de mi carrera como actor me he encontrado a muchos actores y actrices, muchos de ellos muy conocidos y otros no tanto, y he llegado a la conclusión, de que, por el hecho de ser actores no son ni mucho menos creativos. Hay actores con pose; otros con fachada; los hay que se venden muy bien; los hijos de...; algunos que le comen la cabeza al director, productor para...; los hay que se acuestan con...; y también los que salen por la tele y no se les entiende lo que dicen, los hay frustrados, y también con miedos, muchos miedos; etc. etc. etc.

Y por último los hay talentosos; para estos hay una referencia en el libro mi vida en el Arte de Constantin Stanislavki, en el capitulo " Un encuentro de vastos alcances" (pagina 186) y es el siguiente:

... estuvimos considerando con Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko las bases de nuestro futuro teatro; las cuestiones de nuestro ideal artístico, la ética escénica, la técnica, etc, y para ello convocamos a los actores para este cometido.

-Ahí tiene usted al actor A.- ¿lo considera usted talentoso?

-En alto grado.

-¿Lo incluiría usted en el elenco?

- No.

-¿Por qué?

-Porque se ha acomodado a su carrera; adaptó su talento a las exigencias del público, su carácter a los caprichos del empresario, y toda su personalidad a la baratija teatral.

-¿Y que me dice de la actriz B.

-Es buena, pero no para nosotros ni para nuestra empresa.

-¿Porque?

-No ama el arte, sino a si misma en el arte.

-¿Y la actriz C.

-No sirve, es muy trivial, hasta lo incorregible.

-¿Y el actor D.?

-En cuanto a este le llamo la atención sobre él.

-¿Porque?

-Porque tiene ideales por los cuales lucha, y no está dispuesto a hacer las paces con lo existente. Es un hombre con ideas.

-Tengo la misma opinión al respecto, y por ello, con su permiso lo anoto en el registro de los candidatos.

A continuación os voy a mostrar un video en el que Constantin Stanislavki ensaya con un grupo de actores, esta es la 1ª vez que oigo la viva voz de Stanislavki dicho video tiene con subtítulos en castellano, espero que lo disfrutéis.

Actores de Verdad, Fernando Fernán Gómez

Desde hace muchos años me ha parecido ver que uno de los grande actores de todos los tiempos en este país ha sido Fernando Fernán Gómez y desde estas páginas le abro un portal para que todos aquellos que quieran recordarlo y que tengan aquí un pedazo de su sabiduría, su manera de interpretar se forjó a través de todos los escenarios de este país, las tablas de teatro han sido asignaturas aprobadas una por una y función tras función, cada fotograma ha sido una rúbrica de su trabajo:

Mi querido Fernando donde quiera que estés, gracias.

Escenario, teatro y público.

Los diccionarios coinciden en dar al vocablo TEATRO el siguiente significado:

Escenario- Sitio destinado a la representación de composiciones dramáticas y otros espectáculos públicos.

Práctica de arte teatral- Conjunto de dramas de un país o de un autor.

Sin embargo, estos significados, basados en la etimología; en griego “mirador”, permanecen en un plano denotativo.

El teatro, en su esencia, es algo más que un edificio, un escenario, una actividad o una serie de obras similares en su distribución externa. Para que exista, se necesitan una obra dramática, personas que la representen y espectadores que la sientan como una realidad a pesar de su carácter de ficción.

Estos elementos no significan suma. Todo lo contrario. El Teatro es una síntesis sustancial del texto, actores y público.

El texto, escrito para su representación, implica un autor que ha pensado en los personajes, que actúan en un escenario, y en un público, con el deseo de producir ciertos efectos.

Los actores, al adoptar la vida de ficción, se identifican con los personajes del drama, materializan seres imaginarios. Así nacen Hamlet, Segismundo, Tartufo, pero su realidad depende de la interpretación de aquellos que los vivifican.

El público, diverso en cuanto a las motivaciones que lo llevan al teatro, debe encontrar un deleite peculiar, para que la obra cumpla sus fines.

Solo la función del texto, actores, público en todo produce el hecho teatral.

Trilogía teatral, actor, público y autor.

Tres factores integran el teatro: el público, el actor y el autor teatral.
Si uno de estos tres factores es más débil que los demás, se produce un desequilibrio que amenaza seriamente la labor artística del teatro. De ahí proviene, en realidad, toda crisis teatral: de la deficiencia o ausencia de uno de esos tres factores.

Del público nació el teatro. Del pueblo, reunido para celebrar sus ritos religiosos, salvaje y lleno de un estático arrebato, se destacó uno, el que bailaba en honor del dios o —como en el caso del teatro griego— el que cantaba algún himno en honor de Dioniso.

El público, tanto en aquellos remotos tiempos como en la actualidad, sigue siendo una multitud que se reúne para determinado fin, para un propósito común: antes, para adorar a su dios, festejarlo, alabarlo, implorar su benevolencia; hoy, para gozar de un espectáculo artístico determinado. En ambos casos, la multitud deja de ser simplemente un grupo de gente para fundirse en un alma colectiva con todas sus inherentes características: desaparición del individuo como tal, notable aumento de las emociones y sensible disminución de la inteligencia individual.

 Este mismo fenómeno observamos todos los días en los mítines o en las asambleas de carácter político, en donde tanto las personas cultas como las incultas pierden igualmente su capacidad crítica, siempre que el orador sepa cautivar a su auditorio o —en el caso del teatro— que la representación logre ilusionar al público. La misma circunstancia se produce en las representaciones de farsas y zarzuelas, donde el público se ríe de buena gana de malos y gastados chistes, así como tampoco nota las equivocaciones en que incurren los actores mientras éstos no se corrigen.

Cuando a una representación asiste poco público o un público difícil y frío, y no se logra formar un alma colectiva, el actor lo experimenta en seguida, y no es capaz de desarrollar el mismo trabajo artístico que cuando se enfrenta con un público que «responde».

¿En qué consiste el goce estético del público? ¿Podemos experimentarlo si sabemos que lo que se desarrolla delante de nuestros ojos es la realidad? Captamos emocionalmente un mundo de ficción, estéticamente válido. Vemos en las tablas una imagen de la vida, pero no la vida misma. De otra suerte, el teatro no tendría ninguna importancia estética, no sería arte.

El goce estético que experimenta el espectador consiste en una continua curva: ilusión-desilusión-engaño-desengaño. Hay elementos propicios a la ilusión (reales), y elementos no propicios (artificiales). Desde luego, en un espectador dominarán, de acuerdo con su temperamento, los elementos de ilusión; en otro, los de desilusión; pero de ninguna manera puede ser finalidad estética del teatro una proyección sentimental total. Porque «el mundo ficticio tiene solamente la importancia de provocar el funcionamiento del alma», y «por mucho que un suceso escénico nos impresione como real, jamás perderemos la conciencia de la ilusión». O como lo formuló san Agustín en sólo dos palabras: el espectador «goza llorando».

Estas ideas 'fueron ya' objeto de preocupación de los autores contemporáneos del teatro clásico griego. Así, Gorgias decía de la tragedia: «Es un engaño, en donde el que engaña parece más justo que el que no engaña, y el engañado, más sabio que el no engañado».

Sin embargo, podemos observar una franca disminución en la capacidad de ilusión del público. En el ‘siglo de oro bastaban ocho versos de Lope para crear en el espectador de La discreta enamorada toda la sensación del prado de San Jerónimo, de noche, con toda su fragancia, su frescura, sus encantos; y con la misma facilidad logra Shakespeare en El sueño de una noche de verano el ambiente misterioso del ‘bosque de Atenas poblado por Oberón y su reino mágico. Hoy necesitamos de todos los recursos técnicos: decorados, foro giratorio, carros, iluminación, vestuario, para lograr un efecto en nuestro público, quizá menor que en tiempos de Lope, que sólo disponía de sus versos, los actores y una tarima.

La participación activa del público en el espectáculo ha declinado lamentablemente; la imaginación se ha vuelto forzosamente más débil, más pobre. El teatro realista había ya contribuido grandemente a esa evolución inevitable, aunque en mucho menor proporción que el cine o la televisión qué libera al público de todo esfuerzo mental. La cámara guía la atención del espectador, mostrándole sólo aquello en que debe fijarse. La participación del público es completamente pasiva. En consecuencia, un público así viciado encuentra forzosamente fatigosa una representación teatral, por buena que sea, porque no está, ya capacitado para tomar parte activa en ella. Ya vemos aquí en qué consiste el desequilibrio teatral: ante todo, en la falta de un público capaz de gozar de una representación escénica. Tanto el teatro épico como el de la crueldad y del absurdo han tratado de sacar al público de su letargo al envolverlo en la acción misma, al hacerlo participar en forma activa del espectáculo. Aquí es donde el teatro rompe definitivamente los moldes convencionales.

Según hemos visto, del público primitivo salió el primer actor, que improvisó, ante su auditorio, lo que se proponía decir. Aunque el teatro improvisado ha seguido subsistiendo en múltiples. El actor moderno, seguro de sus medios de expresión, no puede desligarse ya de la labor del dramaturgo que le suministra la base para su trabajo artístico. La finalidad del teatro es, pues, la escenificación del drama.

Actores de Hollywood, ¿para que?, Ennio Marchetto, la revolución del cabaret

Ya no hace falta tener como referencia a actores de Hollywood, las referencias artísticas son tan extensas como amplio es el mundo, y para muestra no tenéis mas que darle a play.

El articulo que a continuación vais leer es sobre un genio de la escena, un hombre que ha revolucionado el mundo del cabaret dándole una vuelta de tuerca, yo cuando tuve noticias suyas no he dejado de seguirle, a continuación y después y de mucho indagar os cuento como fueron sus inicios y ademas un video para que le podáis ver, espero que os guste:

Ennio Marchetto  nació en Venecia, al lado de la casa de Carlo Goldoni, hijo de un ingeniero de reparación de máquinas de café, todo el mundo esperaba que Ennio continuase la tradición familiar - excepto él.

Inspirado por los dibujos animados de Disney y con  coreografías de danza  moderna de Pina Bausch y crecer en medio del Carnaval de Venecia, fueron y son los grandes inicios de Ennio Marchetto.

Ennio soñaba con vuelos de la fantasía – desde pequeño divertía a toda su familia y amigos - con visiones de Marilyn Monroe vestida de papel blanco. A principios de la década de 1980 Ennio utiliza este material para hacer extravagantes disfraces y máscaras para el Carnaval de su ciudad natal. Cada vez y con más fuerza, su sueño se iba haciendo realidad, sueño que por otra parte iba descubriendo a medida que iba trabajando.

Con la creación de su primer cabaret ganó el premio Golden Lion, en el Festival de Venecia entre otros. Cuando conoció a su socio y colaborador Sosthen Hennekam, diseñador de vestuario y moda, desarrollaron suficientes personajes de  papel para crear un espectáculo de una hora de duración. Sólo un año después, y trabajando en Londres, Ennio invitó a ver su espectáculo al productor Glynis Henderson. Rápidamente se convirtió en un éxito de culto y ha logrado aclamaciones de la crítica masiva. Las cosas empezaron a moverse muy rápidamente y en 1994, después de varios Tours en Reino Unido, Ennio fue nominado para el Premio Laurence Olivier al Mejor Espectáculo. Ese mismo año, Granada Televisión realizó un documental de una hora llamado "Celebraciones, Libro Marilyn" sobre la vida y la carrera de Ennio.

Un año más tarde, Ennio se presentó en el primer MTV europeo de Music Awards en Berlín y junto a otros artistas que trabajaban a la vez que él, tales como Prince, George Michael y Bjork. Ennio también trabajó junto a y para las Spice Girls, Brian Adams, Su Alteza Real el Príncipe Carlos en el Royal Variety Show, retransmitido por la BBC. Por su carrera en Broadway en 1999, Ennio Marchetto  fue nominado al mejor actor en la Muestra en San Francisco. En Los Ángeles ganó el premio de Garland. En el verano de 2001 actuó con Elton John, "White Tie and Tiara Ball '- y para recaudar fondos para el SIDA se celebra cada año en la finca privada de Elton John en Oxfordshire

Ennio Marchetto ha actuado en más de 70 países del mundo, desde Singapur a México. Sus actuaciones y su adaptabilidad a las diferentes culturas ha llevado su show a la atención real y de celebridades dando a Ennio un gran número de seguidores y una base de fans internacional masiva.

...Y en estos momentos Ennio sigue dando la vuelta al mundo - es un fenómeno mundial y un hombre fascinante, con una historia increíble.

¿Técnica Alexander, Que es y para que sirve?

En estos días un amigo me ha mandado un enlace sobre una entrevista que le hacen a una profesora de la Técnica Alexander, En este video podéis encontrar una pequeña introducción de dicha Técnica.

Espero que os sea útil.

Circo de actores

¿ Que les pasa a los actores/actrices con las marcas determinadas por el director?

¿ Saben los actores lo que es una partitura de movimientos?

¿ Saben los actores, directores etc... lo que es la libertad creativa? 

¿ Ser libre, creativo, es ser indisciplinado? 

¿ A la propuesta de, déjate llevar... eso que significa? 

cuando un espectador dice aquello de "es que los actores están muy encorchetados" ¿a que se refiere? ¿a que el director no los deja que sean libres o a que los actores no saben volar/crear con una partitura de movimiento?

¿ No está el músico igual de encorchetado con una partitura de Mozart? ¿cuando Chopin, Brahms o el mismo Beethoven,  componían y mostraban sus trabajos y una vez que ya lo habían creado y simplemente los mostraban no eran igual de genios? 

¿ Dejarse llevar por las notas escritas por un autor no es lo mismo que dejarse llevar por la partitura de acciones físicas creadas por un director? porque esta, esta última pregunta es la no que para de darme vueltas por la cabeza, 

¿ Que diferencia hay entre la partitura musical  de un pianista y la partitura de acciones físicas de un actor?

¿Porque es un genio al músico que interpreta a un autor musical  y no se valora de la misma manera al que interpreta una partitura de un director teatral?

¿ Como hace un director para que el actor entre a la marca sin imponérsela?

EL ARTE PURO DE JUDITH SCOTT

El video que a continuación os muestro, es la prueba inequívoca de que el arte es una herramienta poderosa de comunicación y desarrollo.

La terrible vida de  JUDITH SCOTT, las mellizas Scott, Judit fue abandonada por sus padres a los seis años en una residencia de discapacitados  mentales, padecía síndrome de Dow ineducable. La sombra de Judith persiguió a Joy (su hermana Gemela) toda su vida...

 Si queréis saber más no tenéis más que darle al play.


Este artículo me hace reflexionar sobre lo que tenemos los artista y lo que nos sobra, o mejor dicho "qué es lo que deberíamos tener los creadores y qué es lo que nos sobra", porque en estos momentos no todo me vale.

¡Hoguera de vanidades!

No hay nada más ridículo que el auto engaño, yo vengo del teatro comercial, con directores muy conocidos en el panorama artístico teatral, y estos son desde siempre unos grandes dictadores de la escena, si he dicho bien, unas grandes divas del teatro, y lo más curioso de todo es que aunque yo no lo crea, les imito... si les imito "he dicho bien".

Según estos parámetros estos directores son los que marcan, mutilan, o hacen crecer a un actor dentro del roll que les ha tocado vivir, y en este caso ser interpretes, lo peor de este tipo de directores es que se hacen/hacemos creer que somos los grandes responsables del espectáculo y claro esta, esto es para lo bueno y para lo malo, para lo bueno ya se sabe, (los aplausos, el auto bombo etc.) pero y ¿para lo malo?, es decir cuando un espectáculo por ejemplo está demasiado encorchetado, poco jugado, cuando la única voz que se ha oído es la tuya, cuando ves que eso no avanza, que hacen/mos dichos directores, nuestra única opción es pegarle una gran patada a un montón de trozos de madera y gritar ! lo dejo!, pero en el fondo lo que se está diciendo es, estoy harto de creer ( y no se es cierto) de que como director eres el único responsable de este embrollo y gritas otra vez ! si lo dejo ! y en tu foro más interno quien está hablando es la angustia de liberarse, de no sufrir tanto el peso de creer, que tu eres el único que está jugando esta partida, creer que tu eres el único responsable, creerte que si fracasas, será tu fracaso, y no será un fracaso compartido, y tienes tantas desconfianzas artísticas hacia los demás que empiezas a asumir cada movimiento de tu partener, cada palabra, cada gesto, cada giro, cada coma, cada punto, al final todos tus actores, se convierten en tus títeres, en una prolongación de tus brazos, de tus manos, de tu boca, de tu voz, y las vanidades al fin tienen vida propia, y te apagan, y te oscurecen, y te emborrachan, hasta que un día ya nadie te hace caso, porque al final lo que ven en ti ya no es una persona viva, sino todo lo contrario te habrás convertido en una gran estatua de piedra, posiblemente algo imponente, pero frío y muerto a la vez.

Tal vez, tu pensaras que a ti esto nunca te irá a pasar, y te repites hasta la saciedad que nunca te pasará, y te lo justificarás, o te dirás a ti mismo/a "YO EL TEMA DE LAS VANIDADES, YA LO SUPERÉ", o te dirás eso de "EL EGO, ESO, ESO NO VA CON MIGO"pero que curioso, YO PENSABA LO MISMO, y entre tu y yo seguro que por muy listo/a, que seas... 

te recuerdo que estamos hechos de la misma materia. 

APLICACION DE LA TECNICA ALEXANDRE AL TEATRO

Ya  son muchos años en esta profesión y cada vez que me enfrento a un personaje, las dificultades son por regla general las mismas.

Comenzé mi formación como actor, asistiendo a clases de expresión corporal, voz, interpretación...y lo que descubro con todas estas técnicas es la toma de consciencia de nuestras propias limitaciones. 

Mis limitaciones como actor las empezamos a ver cuando tenemos a un personaje de la talla  de Hamlet y nuestra propia condición física cargada de tensiones corporales y emocionales nos dificulta el acercamiento al mismo. ¿Qué hacemos entonces? ¿acercamos el personaje a nosotros, defendiendo un personaje lejano a los matices con los que está construido o buscamos ampliar de alguna forma nuestra capacidad de registros?. A lo largo de la historia recordamos actores de renombre que el espectador imita con ágil superficialidad puesto que todos sus personajes eran y aún son construidos de la misma manera, siendo ellos mismos y llevando su propia condición física y emocional al mundo de sus personajes, por lo tanto nunca hemos visto, salvo honrosas excepciones, la diferencia básica de un Hamlet a un Arlequino con el trabajo de un solo actor. Hemos tenido que esperar a ver un Hamlet por un actor y a un Arlequino por otro, para descubrir la gama enriquecedora de diferencias sutíles que cada uno de los personajes propugna.

Cuando un actor se da cuenta de sus limitaciones, la certeza de  antiguos maestros, la convicción de nuestros directores de casting, y directores teatrales de que un actor ha de saberse hacedor de personajes característicos, hace que simplemente lo asumas, vendiendote como tal o busques formas,  apoyandote en la conviccion de  Stanislavski, de ampliar registros.

La gran aventura de conseguir algo que te ayude en esta tarea me  lleva irremediablemente a gastar lo que no tengo, transitando un camino nada claro donde contacto con todo tipo de técnicas, tendencias que me ayudan, innegablemente, pero que no  me dan las herramientas que preciso para ser dueño del proceso como tal.

Las tensiones corporales y emocionales son las que definen en gran medida la característica de un personaje, si somos incapaces de deshacernos de nuestra propia estructura, como primer paso, lo que construyamos tendrá en base la impronta de nuestro sello inconfundible, nuestra característica particular.

La técnica Alexandre ofrece al actor  en este sentido los medios para que pueda detectar y relajar la tensión excesiva que  mantiene  de forma inconsciente en el cuerpo.

Ayuda a encontrar diferentes modos de moverse que sean más fáciles y eficaces, reduciendo de ese modo el desgaste de la estructura corporal y los órganos internos.

El camino hacia mi neutralidad corporal, lleva implícito el conocimiento de la estructura corporal y emocional, descubres el como , el porqué, y como deshacerte de ello , y siguiendo el camino a la inversa encuentras el cómo, y el porqué de construcciones opuestas a la tuya. El dominio sobre mi instrumento sicofísico me deja libertad entonces para asumir patrones diferenciados del tuyo completamente.

También a tener en cuenta es que el punto de inicio de una construccion determinada, cuando partes de la técnica Alexandre, es la neutralidad,  y no tu entresijo de hábitos sicofísicos de siempre, así, partiendo de ella el actor adquiere libertad de movimientos, tanto mentales como físicos y es capaz de usarse a sí mismo con total dominio del entorno y sus circunstancias.

Al adquirir el dominio del entorno y las circunstancias el actor encuentra el equilibrio necesario para dominar el miedo escénico, a parte consigue una técnica precisa que le ayuda a construir personalidades ajenas a la suya.

Ya no tendremos que  recordar a uno de de los grandes maestros de la escena en su primera etapa como teórico y director, (Meyerhold), cuando  decía que un actor estaba condenado a hacer una limitada gama de personajes convirtiendo así, al actor en un hacedor de personajes característicos.

¿El teatro Alternativo?, ¿Que es eso?

El mal llamado Teatro alternativo ¿Es tan alternativo? porque en estos días me he enterado de que reciben una gran ayuda económica del ministerio, ¿se puede ser alternativo cuando quien te sostiene es el estado?

Los espectáculos alternativos, no se porque se me parecen mucho al teatro comercial. Según algunos el teatro alternativo es una forma de interpretar diferente y donde prima lo artístico sobre lo puramente económico. !AH! ahora lo entiendo todo, "donde lo que prima es lo artístico y no lo económico", !Claro! porque lo económico ya se lo cubre el estado a modo de subvenciones, y otra cosa, cuando me hablan de teatro comercial y su  calidad artística ¿a que se refieren?,  y cuando me hablan de la calidad artística de lo alternativo ¿a que se refieren?, porque yo no veo muchas diferencias artísticas entre uno y otro. 

Querido lector, ¿porque nos venden una idea cuando lo que quieren decir es otra cosa?

Amigos Teatreros la globalización también ha llegado al arte.

Escapemos de ella, ! Pero de verdad! y no a medias.

¿Porque yo pago y usted no?

Hay momentos en que no entiendo al gran público y sobre todo no lo entiendo cuando, yo un actor más de este engranaje estrena un espectáculo y al conocimiento de esta noticia tus amigos, allegados, vecinos, panadero... te comentan que a ver si le regalas una entrada y yo me pregunto; el tendero cuando abre su establecimiento ¿me regala a mí, él, una barra de pan?. Si, el comercio justo es para todos y desde aquí me amparo a la ley general de un intercambio justo, si yo te invito a ver un espectáculo, tú me invitas si eres panadero a una barra de pan, o lo que tengas en ese momento ! claro !