La Tramoya

La tramoya se define como la máquina o conjunto de máquinas que sirven para realizar transformaciones o casos prodigiosos en escena. Se da el nombre de máquina a toda construcción móvil capaz de cambiar decorados, producir efectos especiales, consabidos o nuevos, transportar actores, y realizar los hechos prodigiosos a que tan aficionado era el teatro en otras épocas: apariciones y desapariciones súbitas, vuelos... El manejo de las máquinas está al cuidado de los maquinistas o tramoyistas, que, aunque no aparezcan en público, son artífices anónimos de lances muy atractivos dentro del espectáculo teatral.

Condición indispensable es que la máquina permanezca oculta a los ojos del espectador y mejor que ni siquiera sospeche éste de su existencia: el factor sorpresa aumenta el asombro del público y acrecienta los méritos de las maravillas conseguidas.

Otro principio que rige la tramoya es alcanzar el efecto deseado con el menor gasto posible de energía y sin ruidos. De aquí que, aunque actualmente la madera haya sido sustituida por el acero, y la fuerza humana -o la hidráulica del siglo XIX- por los motores eléctricos, todavía en algunas partes se prefieran los listones de madera y la fuerza de los brazos porque resultan más silenciosos en sus efectos. Para aligerar el esfuerzo hay un sistema de pesas y contrapesos de compensación y los tramoyistas toman decisiones totalmente artesanales como marcar, en las cuerdas o en las varas, el punto en que han de detenerse en cada caso.

Teatro de Titeres

Los títeres vienen de la más remota antigüedad. No está muy claro el origen de su nombre, que parece onomatopéyico, ya que se relaciona con el sonido de los pitos, -ti, ti, ti- que emitía el cómico escondido tras ellos y que por ellos habla.

La palabra marioneta ya es cristiana. Es un diminutivo del nombre de la Virgen María. Se debe al relato de un peregrino, Henri Maundrell, que durante la Edad Media visitó el Santo Sepulcro de Jerusalén y nos contó sus impresiones por escrito. En ellas describe una representación de la pasión y muerte de Jesús realizada por medio de figurillas, es decir, títeres. Aunque salían muchos personajes, la atención de los fieles se fijó sobre todo en la figura de María, cuyo diminutivo se generalizó para designar a todas las figurillas.

Estos muñecos pueden ser de varias clases:

Sombras chinescas. Son figuras planas, recortadas en cartón, pergamino, metal o cuero. A veces van provistas de varillas para poderlas accionar. Se colocan entre un foco de luz y una pantalla sobre la que se proyectan para su contemplación desde el otro lado de la pantalla.

El títere de mano o de guante consta de cabeza y manos acopladas a un vestido que se adapta como un guante a la mano del operador. El dedo índice de éste se introduce por un agujero en la cabeza del títere. El pulgar y el dedo corazón, o bien el meñique, se embuten en sendos tubos unidos a las manos del muñeco. Estos títeres pueden disponer de piernas, cuerpo modelado y facciones movibles pero sencillas. Sus acciones preferidas consisten en recoger y manejar objetos, luchar, bailar y accionar rápidamente.

El títere de varilla se mueve sobre la cabeza del operador mediante una varilla de metal o madera que atraviesa su cuerpo de arriba a abajo. Los brazos y piernas se accionan con otras varillas, solas o combinadas.

Las marionetas son figurillas accionadas por hilos que mueve el operador situado en la parte superior del escenario, siempre oculto al público. Aunque las hay sencillas, suelen ser de una construcción más complicada que los éteres. Danzan con gracia, vuelan por los aires, realizan trucos e interpretan papeles dramáticos a la perfección.

Ejercicios de voz para actores

La ortofonía:

La ortofonía debería despertar mucho más interés tanto para los directores como para los actores de teatro  y profesores en general. en el Teatro profesional se tiene muy en cuenta y es deseable que la preocupación sobre este particular se extienda a los grupos aficionados y al teatro infantil.

La ortofonía debe proponerse dos objetivos fundamentales:

1. El dominio de la voz
2. La recta pronunciación de todas las letras sílabas y palabras

El dominio de la voz

Parece ofrecerse como una meta técnica que implica respiración adecuada, impostación, y regulación en cuanto a la potencia, la altura, la duración y el timbre de las emisiones de voz.

Evidentemente todo esto requiere conocimientos y técnicas que no podemos explicar extensamente aquí, por razones de brevedad. Pero si llamamos la atención para que los responsables de grupos de aficionados o infantiles atiendan al problema, que no tiene solución difícil, y, por el contrario, es altamente productivo a la hora de la puesta en escena. La comunicación que establece con el público un actor con una voz hermosa, flexible y dominada, siempre es superior a la alcanzada por quien no posee el dominio de este instrumento.

La pronunciación correcta

La pronunciación correcta exige vocalización y articulación adecuadas. También aquí existen técnicas y procedimientos específicos que los profesionales han de conocer. Pero también aquí hay que insistir en la necesidad de que todo aquel que pise un escenario ha de intentar la mayor corrección posible y ésta se puede conseguir con algún esfuerzo y atención.

Se suele proceder en este campo más por vía negativa -corrección de defectos notorios-, que por vía positiva -consecución de timbres y perfección no afectada de articulaciones-.

Entre los defectos más llamativos están:

-Algunas pronunciaciones regionales que van desde la pastosidad de timbres y eles velares , hasta la elisión de vocales y pérdida de consonantes de todo tipo y aspiraciones de eses y jotas, por señalar dos muestras de pronunciaciones defectuosas.

A continuación os doy un enlace de algunos ejercicios de voz:

http://html.rincondelvago.com/canto.html

Ensayos con el texto

Los ensayos tienen un doble objetivo: probar todos los lances que han de integrarse en la puesta en escena de una obra y aprenderla en todos los aspectos.

Antes de empezar los ensayos el director debe responsabilizarse de la fijación del texto. Es frecuente que un texto dramático deba recortarse algo o suprimir alguna frase. Fijar el texto no quiere decir cambiarlo sustancialmente. Esto sería hacer una adaptación. Y lo mejor en este caso, e incluso cuando se proceda a la fijación, es hacerlo de acuerdo con el autor, si es posible.

Trabajo de mesa

Se hace una lectura completa del texto estando presentes todos los actores, los jefes de la tramoya, decoradores, electricistas, utileros, responsables del vestuario, figurinista, maquilladores, regidor... Tras esta lectura, el director expone el plan general de la puesta en escena y tanto actores como el resto de personal tienen opción para aportar sus puntos de vista, que el director hará bien en estudiar e incorporar, si conviene.

Los actores tienen que descubrir el carácter de sus personajes y el director ha de observar las disposiciones de los actores. Es también el momento de aclarar dudas de lenguaje, unificar la fonética de nombres propios y extranjeros, llamar la atención sobre vocalización y pronunciación y establecer el ritmo de la obra.

Puesta de movimiento

En el siguiente ensayo se empieza por «marcar la obra», es decir señalar los movimientos y posiciones en la escena. Se empieza por el primer acto. Los actores, libro en mano, toman nota de las posiciones que les señala el director. Se señala en el suelo la posición del decorado y el mobiliario y a ellos se ajustan los movimientos. Este ensayo se repite varias veces y luego el mismo proceso se sigue con los demás actos.

Memorización

Si los actores no aprenden la obra al mismo ritmo, los ensayos se vuelven lentos e ineficaces. No se puede trabajar estando más pendientes del apuntador que del director que ha de matizar la recitación. Basta un remolón para complicarlo todo y mantener a todos en vilo hasta el estreno.

Ensayos a la italiana

La solución a este problema consiste en los ensayos a la italiana. Los actores, sentados cómodamente, recitan en común la obra repetidas veces. No hace falta que se dé la entonación completa, pero sí deben acostumbrarse a darse el pie con precisión. Y han de convencerse todos de que hasta que no se domine el texto, es inútil intentar ponerlo en pie.

Ensayo de caracterización

Aunque muchas veces movimiento, caracterización y ritmo son objetivos trabajados en todos los ensayos, es frecuente separarlos para insistir progresivamente en estas fases fundamentales.

Para la caracterización a veces hay que recurrir a ensayos particulares, incluso personales, en diálogo entre director y actor hasta la compenetración. Tras esta labor, hay que intentar el ensamblaje con todos para evitar que alguien sea sorprendido.

Ensayo de ritmo o pase de acciones

En los ensayos de ritmo se representa la obra de cabo a rabo sin interrupción. El director no interviene. Se sitúa en distintos lugares de la sala y anota las observaciones pertinentes sobre audición, visibilidad, interpretación y cuanto crea oportuno. Durante estos ensayos se prueban las caídas de telón, luces, efectos sonoros... Se debe intentar a toda costa mantener el ritmo para que éste cree hábito en los actores. Al final el director señalará a actores y tramoya las observaciones oportunas.

Ensayo de líneas

Se denominan así los últimos ensayos para corregir defectos y reforzar puntos débiles. Hay que eliminar toda inseguridad y limar asperezas.

Cuando la obra requiere vestuario de época, es conveniente un ensayo de vestuario. Aunque no se recite, se hacen los movimientos y se observa la incidencia de las luces sobre el vestuario y en el conjunto.

Ensayos generales

Se denominan también ensayo general con todo, y es mejor contar con dos que con uno. El ensayo este tiene carácter de representación pública. El director no interviene directamente ni corta. La máxima autoridad en el escenario es el Regidor que prevé y ordena salidas, caídas de telón, cambios de luces... El director está en la sala con su ayudante. Y entre bastidores no tiene que haber nadie que no pertenezca a la obra.

Tras el ensayo general con todo el director ha de jugar la baza de la sagacidad. Es preferible dejar sin corregir algunas nimiedades que sembrar la desconfianza en los actores. Introducir modificaciones en el último instante suele tener malos resultados. El público por otra parte, no capta ciertos pormenores, si no hay dudas en el actor.

Estructura Dramática

Estructura de la obra dramática

Tomada de modo general como una construcción estructurada, una obra dramática tiene tres instancias características:

1. Presentación del conflicto

El conflicto es el origen para una obra dramática. Si no hay conflicto no hay drama. El conflicto hace referencia a las fuerzas contrapuestas(fuerzas en pugna) que hacen avanzar el desarrollo argumental del drama.

Aparecerán dos posturas contrarias, que habrá que descubrir. Pueden manifestarse explícitamente o hallarse implícitas en otras situaciones, anteriores o posteriores, de la obra.

La presentación del conflicto cambia de acuerdo a la obra. Podemos diferenciar en términos generales, cuatro etapas:

• Exposición o situación del protagonista.
• Propósito del protagonista.
• Presentación del obstáculo o materia del conflicto.
• Choque de las dos fuerzas en pugna.

2. Desarrollo de la acción dramática

La realidad del conflicto avanza hasta llegar a un duelo decisivo de los personajes y sus objeciones. Es lo que sería el nudo y coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.

Esto entrega la dimensión artística a la obra de teatro. Los distintos esfuerzos por superar a la fuerza opuesta dan lugar a un pensamiento dramático.

3. Desenlace de la acción dramática

Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de la obra.

Es la eliminación del obstáculo (resolución del conflicto)  o la desaparición del protagonista. Al hablar de conflicto este puede observarse desde diversos puntos de vista; del hombre con el destino (“Edipo Rey” de Sófocles); del instinto con el ambiente (“Hamlet” de William Shakespeare); del entendimiento con el ambiente (“Madre Coraje” de Bertolt Brech); del libre albedrío con el ambiente (“Casa de Muñecas” de Enrique Ibsen).

Por eso, la fuerza opuesta puede ser un elemento externo o interno del propio personaje, fuerza que dificulta el propósito de la fuerza protagónica.

El texto

Lo primero que hay que recordar respecto a textos dramáticos para niños es su escasez y, a menudo, su falta de calidad. Por consiguiente, el problema de selección que se plantea es doblemente grave. Hay que dejar bien claro que si el texto no es bueno desde el punto de vista dramático, es preferible no intentar representarlo. A la vez hay que urgir para que estos textos aumenten en cantidad y en calidad.

El estudio del texto

La determinación de la calidad de un texto dramático es difícil. Por ello hay que centrarla en su viabilidad dramática y ha de ser objeto de estudio.

Dos puntos fundamentales han de ocupar su atención:

• El encuadre histórico del texto;
• La estructura dramática;

Encuadre histórico

A este respecto puede considerarse que hay textos dramáticos de marcado carácter histórico, pasado, es decir de época; los hay contemporáneos y los hay intemporales.

Salta a la vista que en los textos referidos a épocas pasadas debe cuidarse con esmero el marco histórico. Este marco histórico siempre se reproduce de forma convencional mediante el empleo de los recursos expresivos. Es decir, que si tenemos que representar, por ejemplo, un pasaje de la vida de Don Quijote de la Mancha, o algo que haga referencia a él, la huella histórica podría o no que reflejarse en su expresión lingüística y dependiendo siempre del estilo que el director quiera darle a dicho espectáculo.

Pero para ello si es importante saber el encuadre histórico ya que este nos puede dar mas datos de dicho texto

Encuadre contemporáneo;

Lo dicho vale también para las obras de carácter contemporáneo, y no es menos difícil. El encuadre histórico comporta especialmente aquí rasgos sociológicos y etnológicos determinantes.

Temporalmente indefinidas;

En cuanto a las obras temporalmente indefinidas, es evidente que el director tendrá que prestarles una definición que puede responder a ambientación histórica o contemporánea. O puede pretender precisamente ambigüedad, proyección hacia el futuro, hacia situaciones fantásticas o irreales y hasta intemporales.

La estructura dramática

El estudio de la estructura dramática no puede separarse de los géneros, ni de las unidades dramáticas, ni de los estilos. 

Pero de forma genérica hay que recordar que la estructura de la obra dramática es distinta de por ejemplo,  la de un cuento a la de un poema. Esto es capital en la elección de una obra dramática para representar.

Puede suceder que la historia contenida en el texto sea excelente, interesante y que guste por sí misma. Pero si no está adecuadamente vaciada en el molde dramático, constituirá, sin duda, un mal texto, es decir ante todo un texto tiene y debe regirse por ser algo interpretable y conteniendo como base a dicha estructura dramática.

Estructuras de dialogo

El Diálogo: Es el intercambio de mensajes entre 2 o más personas, alternando los papeles de emisor y receptor. Se representa a través de los parlamentos de los personajes o voces dramáticas.

Monólogo: Es una forma discursiva que permite al personaje estando solo en el escenario, plantear dudas acerca de las decisiones o compromisos que va a tomar en su fuera interno. Es la expresión de pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta.

Soliloquio: Es una forma discursiva en la cual el personaje habla en voz alta, estando solo, refiriéndose no a sí mismo, sino más bien al acontecer con presencia de un auditorio no necesariamente identificable. Su diferencia con el monólogo es muy sutil y está en la presencia de un interlocutor. Muchos autores no notan la diferencia entre ellos y toman los términos como sinónimos.

Aparte: Es una forma discursiva en donde un personaje habla en voz alta, suponiendo que los demás no lo escuchan, estableciendo además cierta complicidad con el público.

Géneros Dramáticos II

A continuación os propongo toda una serie de enlaces donde podéis entrar para obtener mayor información de géneros teatrales

Al teatro, según la clasificación del teatro (drama) griego en la Poética de Aristóteles, pertenecen los siguientes géneros mayores:

La comedia

La tragedia

Más tarde aparecen otras formas teatrales:

El auto sacramental

El paso o entremés

El sainete

La tragicomedia

El melodrama

La obra didáctica

En el teatro contemporáneo coexisten numerosas formas y estilos teatrales, más o menos teorizadas:

El teatro del absurdo

El teatro existencialista

El teatro surrealista

El teatro realista

El teatro épico

El teatro de la crueldad

El teatro social

El teatro de agitación

El teatro de vanguardia

El teatro experimental.

Tragicomedia

Categoría:Subgéneros dramáticos

Generos Dramáticos I

La tragedia: Género realista. En la tragedia hay personajes ilustres, cuya finalidad es producir una crisis, es decir, una purificación del receptor (lector o espectador) y que culmina en muchas ocasiones con la destrucción social o física del protagonista. Es el más importante de los siete. Edipo rey de Sófocles es un ejemplo de este género.-

La comedia: Género realista. En la comedia los personajes son, complejos, comunes y corrientes que encarnan los defectos y vicios de los seres humanos, el conflicto que se presenta es posible y probable en la vida real, si bien su contenido se exagera o ridiculiza en el intento por provocar la risa del receptor. El protagonista en este conflicto lucha con su antagonista en un intento fallido por lograr sus propósitos; fallido, porque sus intentos los llevan a diversas situaciones, en las cuales fracasa o es objeto de burla. El desenlace presenta una solución alegre al conflicto con la cual todos los problemas se alegran y todos quedan felices. Generalmente los autores a través de la risa intentan que el receptor reflexione acerca de lo que sucede en la obra y de esta manera pueda extraer una enseñanza si se ve identificado con alguno de los personajes. Por ello, algunos autores consideran que la comedia es moralista. Tartufo o el impostor de Molière es un ejemplo.-

La pieza: Género realista. Se caracteriza por tener personajes comunes y complejos que se enfrentan a situaciones límite de su vida y que terminan por reconocer aunque esto no necesariamente genere un cambio interno en el protagonista. Los frutos caídos de Luisa Josefina Hernández es un ejemplo.-

Melodrama: Género no realista. Las anécdotas complejas donde los personajes son simples es la característica fundamental de este género. Busca que el espectador tenga una respuesta emocional superficial ante los sucesos de la escena. Los personajes tienen reacciones emocionales exacerbadas ante las acciones de los otros personajes. Hay un conflicto de valores opuestos que pueden estar en cualquier ámbito: moral, estético, etc. Nuestra Natacha de Alejandro Casona es un ejemplo.-

Tragicomedia: Género no realista. El personaje protagónico simple, generalmente un arquetipo, está en busca de un ideal: el amor, la amistad, la fraternidad, etc. La anécdota es compleja. A pesar de lo que el nombre pueda sugerir, no se trata de la unión o mezcla de la tragedia y la comedia.-

Obra didáctica: Género no realista. Caracterizada por presentarse en forma de silogismo que invita a la reflexión del espectador y que a partir de ella tenga un aprendizaje. Los personajes son simples y la anécdota compleja. El círculo de tiza caucasiano de Bertolt Brecht es un ejemplo claro.-

Farsa: Género imposible. Su característica principal radica en la unión de una sustitución de la realidad (de lenguaje, de lugar, etc.) con elementos de cualquiera de los otros seis géneros, por ello no es un género puro. Es simbólica. Sus orígenes se remontan a Aristófanes pero es en el siglo XX cuando este género toma verdadera importancia y relevancia. La cantante calva de Eugène Ionesco es el más claro ejemplo de ello...

Acotaciones

Los textos dramáticos antiguos carecían de acotaciones. Esto les daba gran flexibilidad y ambigüedad que permitían mayores libertades a sus intérpretes. En la actualidad las acotaciones siempre están presentes en el texto. Y, por su distinta función, podemos distinguir entre las introducciones o notas y las acotaciones propiamente tales.

Llamamos introducciones o notas a las que se colocan al principio de un acto o escena para indicar cómo debe organizarse el escenario. En realidad son descripciones pormenorizadas que el autor destina al director. Pero otras veces las introducciones figuran entre las intervenciones de los actores con el fin de situar acciones que se realizan independientemente del actor o que debe realizar el mismo actor fuera del parlamento.

Las notas de introducción suelen ser muy esquemáticas. Por ejemplo se pone: «Bosque. Aparece un leñador manejando el hacha con lentitud y desgana...». Otras veces hacen referencia a la música o a los efectos especiales.

Las que van entre dos intervenciones sucesivas de actores, por lo general se refieren a acciones que se realizan en silencio o suceden paralelamente a los parlamentos. Por ejemplo: «Lanza con fuerza un taco de madera al aire. Abre la fiambrera y se dispone a comer».

Las acotaciones, por el contrario, le indican al actor lo que tiene que hacer mientras habla o cómo tiene que realizarlo. Así, por ejemplo: «Sacando la nariz entre los árboles». «Con voz ronca y gangosa». Otras veces indican gestos o movimientos con que tiene que acompañar la elocución; y, a menudo, le señalan las características que ha de dar a la entonación.

Las introducciones se distinguen por ir en letra cursiva o de menor tamaño y sangradas, o sea, con mayor margen que el resto del texto. Las acotaciones van en cursiva y siempre aparecen entre paréntesis, antes de iniciar su parlamento el actor, o bien en medio del parlamento para matizar la frase o para designar la acción que la acompaña

¿De que se compone el ámbito escénico?

El montaje de una obra dramática se realiza siempre en un ámbito escénico. El ámbito escénico, por tanto, consta del escenario donde actúan los cómicos y del espacio en que se sitúan los espectadores. Es evidente que ni el escenario tiene por qué ser del tipo convencional, o sea un espacio elevado cerrado por tres lados y abierto por la embocadura con su telón, ni el sitio destinado a los espectadores tiene que ser una sala con su patio de butacas y sus palcos (llamado Teatro a la Italiana).

Una obra puede montarse en la calle, en una plaza, en una sala de fiestas, en un restaurante, en un patio de vecindad, en una plaza de toros, o en el bosque bajo los árboles. En cualquier caso habrá que conseguir un lugar donde los actores puedan moverse libremente y otro, pegado a él, desde el que los espectadores puedan ver y oír sin dificultad.

Como consecuencia de estas variadas condiciones, en cada caso la puesta en escena adquirirá matices diversos.

Requisito indispensable es que cada ámbito escénico propicie que espectadores y actores tengan conciencia de estar viviendo, cada uno desde su posición y función, la representación conjuntamente. El teatro exige estos rasgos de directo y convivido. En esto se distingue del cine o de la televisión, donde no puede haber relación personal entre actores y público. El teatro es, pues, un espectáculo vivo y compartido.

¿Que es un Actor?

Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad.

Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Grecia, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes.

El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespis, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespis habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada.

La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Commedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française.

Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Veneciadonde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

La blogoteca

A continuación os muestro un directorio de blog sobre Cultura y Tendencias espero que os guste.

¿Que es un Director de Teatro?

El director de teatro es el conductor en el campo teatral que supervisa y orquesta el montaje de una 

obra, unificando criterios y conductas de variados esfuerzos y aspectos de la producción.

La función del director es asegurar la calidad y realización del producto teatral.

El director trabaja junto con tramoya, diseño de ropa, iluminación,etc. para la producción.

El director puede también trabajar con el dramaturgo mientras se avanza. En el teatro contemporáneo,

el director suele ser el visionario, tomando decisiones de los conceptos artísticos e interpretativos

del texto. Diferentes directores han ocupado distintos planos de autoridad y de responsabilidad,

dependiendo de la estructura y filosofía de las compañías de teatro. Los directores utilizan una gran

variedad de técnicas, filosofías, y niveles de colaboración.

El roll de director es algo relativamente innovador en la historia del teatro, con los primeros modelos

a fine de 1800, haciéndose cada vez más popular a principios del siglo XX.

Antes de esto, los actores o los dramaturgos eran responsables de la presentación de la pieza, y

coordinaban los esfuerzos. En cambio, aunque algunas producciones y grupos aún operan sin un

director, éste se considerado una figura vital en la creación de una presentación teatral.

Hasta la puesta en escena, el director de teatro es generalmente considerado el máximo responsable.

El director adopta un estilo de dirección que cae dentro de una o más de las siguientes categorías:

El dictador

En este estilo de dirección, el director asume un rol muy fuerte y dominante en el proceso de

creación del trabajo teatral. Los cambios, negociaciones, son más o menos completamente

controladas y con respecto a los actores, estos casi sin voz ni voto.

El negociador

El negociador es un estilo de dirección en donde el director pone el foco en más improvisación

y formas de reelaboración y creación, usando las ideas del grupo de producción y de actores

para modelar un trabajo teatral cerca de un estilo democrático.

El artista creativo

El director ve consigo mismo o con otros el trabajo creativo artístico con los 'materiales' de la

creatividad dramática, junto con actores, diseñadores y equipo de producción. El "artista creativo"

desea trabajo de génesis por los actores pero, como artista, tiene la palabra final sobre qué se

incluye y como las diferentes ideas son incorporadas.

El confrontador

En este estilo de dirección, el director está en constante diálogo y debate con el elenco y con el

grupo de producción acerca de las decisiones creativas e interpretativas. 

Muchos directores contemporáneos usan una amalgama creativa de estilos, dependiendo del género

del trabajo teatral, la naturaleza del proyecto y el tipo de elenco.

En este articulo he intentado mostrar algunos de los rolles con los que yo me he encontrado en mi

profesión, pero si tu que estas leyendo esto has tenido otras experiencias no tienes más que hacer

comentarios, te lo agradecería.